Dimanche 8 février 2015 de 14h à 19h.
Programmation et galeries participantes ci-dessous:

+++++ NOUVEAUTÉ+++++++
RENCONTRE / DÉBAT DE 15H À 16H À LA GALERIE MAGDA DANYSZ. Les Sunday’s Screenings sont heureux d’inaugurer un cycle de rencontres / débats autours de l’art vidéo. Pour cette première rencontre autours de « l’art vidéo face à ses enjeux techniques: exposition, diffusion et conservation » nous accueillerons Michel Fourcade, directeur adjoint du studio V2, spécialiste en arts numériques et nouvelles technologies. Seront également présents : Jean-Conrad et Isabelle Lemaître. Venez écouter, discuter, débattre, et surtout poser toutes les questions que vous vous êtes toujours posé sur l’art vidéo!

logo-1000x392Création numérique, installations interactives, programmes transmédias, applications mobiles. www.studio-v2.com

 

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GALERIE POLARIS / Nigel ROLFE, The bowl of kindness.

Galerie Polaris, 15 rue des Arquebusier, 75003 PARIS.
Tel: +33 1 42 72 21 27 
www.galeriepolaris.com

 

A work for video.

An enameled bowl with cloth. The artists hand soaks and squeezes cream. The action a metaphor for excess,The punishment of affluence pared back and reduced to one repeated sequence, a video still life. Enamel country vessels relate to childhood memory. The cloth absorbs but in itself is something perhaps to transform or to protect as a bandage. There is a kind of contempt embodied here slow and dark and resistant.

Nigel Rolfe, February 2008

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GALERIE DUBOYS / Gaspard Saint Macary et Cyrille Lallement Plongeon Immobile

Galerie Duboys, 6 rue des Coutures Saint-Gervais, 75003 Paris.
Tel: + 33 (0)1 42 74 85 05
www.galerieduboys.com

« Les paysages sont associés à l’imaginaire, ils naissent avec l’adoption d’un point de vue. Ils sont une forme de prélèvement combiné à des émotions. D’une certaine manière, le canon est une transcription matérielle de cette action, il dissocie le paysage de son territoire. »
Gaspard Saint Macary

« Ce que je trouve super intéressant, c’est que ça parle à la fois du paysage, comme stéréotype, mais aussi d’une certaine façon de rendre visible la construction du regard. Il ne s’agit pas seule- ment de cadrer un panorama mais de jouer aussi sur un trouble cinétique. »
Extrait d’un message de Paul Bernard* *Conservateur du MAMCO, Genève.

Ce projet me relie au souvenir de bras tendus pour isoler de mes mains un morceau de paysage et saisir une part de rêve. « Plongeon immobile » me renvoie à ce geste simple qui tentait de saisir le temps. Pour commencer il y a le projet d’une sculpture-espace, le «Canon à paysage» de Gaspard Saint Macary, monolithe de béton posé sur le sol face aux espaces. Prouesse technologique qui trans- forme la masse d’un prisme de béton en une fragile dentelle de lumière et isole un morceau d’éten- due. Pour cette exposition, nous présentons une série d’images issues d’un protocole défini par Gaspard Saint Macary et Cyrille Lallement, pour un «voyage test» de la maquette du Canon. Photogra- phies réalisées en baie de Somme, à Fontainebleau, sur l’ile de Bréhat et à Paris. Ils y ont posé et pointé l’objet, pour regarder, valider, shooter et revenir la tête pleine d’images capturées. Seules elles ne suffisaient déjà plus, il y en a eu d’autres et d’autres encore qui se suivent et se superposent. Mer, ville, montagne, il fallait une vidéo, une mouvance et un son.
Plongeon Immobile est le titre de cette sélection de photos et d’une vidéo saisies par Cyrille Lal- lement et Gaspard Saint Macary, réalisées au travers de la maquette du « Canon à paysage ». Un canon pour relire le quotidien et réinventer le temps présent dans une halte face à la vie. Un canon qui se partage et qu’il faudra un jour construire pour s’enrichir et ne pas se lasser de regarder plus loin. Un point de rencontre pour se laisser transporter, voir ensemble et plonger. Thierry Diers

Gaspard Saint Macary (1979), architecte, vit et travaille à Paris.
Gaspard Saint Macary produit des installations temporaires le conduisant aux franges de sa disci- pline. Cela lui permet d’explorer des thèmes liés à l’espace en s’affranchissant des contraintes. Ses travaux ont toujours une dimension optique comme point de départ pour l’imaginaire.

Cyrille Lallement (1978), photographe et vidéaste. Vit et travaille à Paris.
Le travail de Cyrille Lallement est une recherche sur les relations de dépendances entre l’urbanité, l’environnement naturel et l’humain. Il s’attache à détourner des architectures et des lieux de leur sens premier. Transformer leur signification permet ainsi de s’interroger sur leur perception dans leur environnement.

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GALERIE CINEMA ANNE-DOMINIQUE TOUSSAINT / Vincent Perez, (auto)portraits

Galerie Cinéma Anne-Dominique Toussaint, 26 rue Saint Claude, 75003 Paris.
Tel: +33 1 40 27 09 22

Vincent Perez est un acteur, un réalisateur, un homme de cinéma que l’on ne présente plus.Vincent Perez est aussi un grand photographe. Passionné par l’image, il a étudié la photographie au Centre Doret en Suisse avant de se consacrer pleinement au 7ème art. Il continuera tout au long de sa carrière la pratique de la photographie dans l’intimité.

En 2014 François Hebel a présenté pour sa dernière Parade arlésienne une exposition de portraits réalisés par l’acteur. Ces portraits qui seront visibles à la Galerie Cinema Anne-Dominique Toussaint parlent d’amitié, de contact avec le sujet photographié : Johny Hallyday dans sa loge quelques instants avant de monter sur scène, Gérard Depardieu au hasard d’une conversation dans son jardin, Bernadette Chirac se prêtant au jeu d’une mise en scène extravagante,Valeria Bruni Tedeschi ,
Patrice Chéreau évidemment.
Une partie de l’exposition sera d’ailleurs conçue comme un hommage au metteur en scène et réalisateur disparu. On y découvrira une série d’images étonnantes réalisées durant le tournage de Ceux qui m’aiment prendront le train où Vincent Perez interprète Vivianne une transsexuelle en devenir. Des autoportraits forts et inédits explorant le travail effectué par l’acteur pour entrer dans son personnage et ainsi devenir femme.
Une installation vidéo de Vincent Perez sera projetée durant l’exposition. Tirée du film réalisé par l’artiste sur les anciens danseurs étoiles de l’Opéra de Paris, Nicolas Le Riche et Clairemarie Osta, cette vidéo se jouera de la frontière mince qui existe entre image fixe et image en mouvement.

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GALERIE DES FILLES DU CALVAIRE / Angels with Dirty Faces (chants) : John Akomfrah, Hiwa K, Christian Marclay, Penny Siopis, Graeme Thomson & Silvia Maglioni…

Galerie des Filles du Calvaire, 17 Rue des Filles du Calvaire, 75003 Paris.
Tel:  +33 1 42 74 47 05
www.fillesducalvaire.com

Commissariat : Olivier Marboeuf , avec le soutien de Khiasma

C’est à cause de ma voix que tu me considères comme un ange, mais un ange au visage sale. C’est par mon chant que tu sais que je suis une créature comme toi, un homme. Mais le plus malheureux des hommes. Car tu m’as vu aller tout au fond, sans résistance apparente. On m’a même entendu rire alors qu’on me croyait mort dans un trou. Mais c’était pour mieux disparaître et revenir au sommet des ruines comme un fantôme bavard qui pisse sur les dernières lumières de l’Occident. Ainsi parle Octavio Framboa, le narrateur de « Angels with dirty faces » (chant), première d’une série de méditations autour du corps en lutte au cœur de la crise. Cette exposition racontée agence une partition de films et de textes traversés par la puissance vitale de la lamentation. Un écho lointain du blues. Une musique de révolte qui se répand dans l’espace. L’annonce criarde et désaccordée d’une guitare bottleneck, le dub infra-basse de l’Angleterre Tatchérienne, les fréquences brouillées des voix océaniques. Une histoire rejouée, une géographie chantée par des voix inconnues qui prennent l’océan Atlantique pour la plus ancienne des banlieues.
Voyage, voyage donc, tu ne trouveras pas ici de mains fraîches pour te prendre le visage.

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Avec des films et installations vidéos de :
John Akomfrah / Black Audio Film Collective, Penny Siopis, Graeme Thomson et Silvia Maglioni, Hiwa K, Christian Marclay…
Narration : Octavio Framboa
Liste des œuvres :
– Hansworths songs / Black Audio Collective (1986, 59 min) / Vidéo
– Guitar Drag / Christian Marclay (2000, 14 min) / vidéo
– What rises from the depths cannot help but break the surface (2015, installation 3 écrans, durée variable) / Graeme Thomson et Silvia Maglioni
– Obscure White Messenger / Penny Siopis (2010)(15min) / Super 8 transféré en vidéo HD
– This Lemon Tastes of Apple / Hiwa K (2011, 13min) / vidéo

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GALERIE MAGDA DANYSZ / VIDEOFOREVER “ART & MODE”

Galerie Magda Danysz, 78 Rue Amelot, 75011 Paris
Tel: +33 (0)1 45 83 38 51
www.magda-gallery.com

DE 16H À 18H, avec la présence de Barbara Polla et Paul Ardenne.

VIDEOFOREVER est né en 2011 de la collaboration entre Barbara Polla (Analix Forever) et l’historien de l’art et écrivain Paul Ardenne. L’objectif est de faire découvrir, mieux connaître et aimer l’art vidéo, un médium qui résonne étroitement avec notre temps. Vingt séances de projections vidéo à thèmes ont déjà été présentées, à Paris et à l’étranger, en divers lieux, et l’aventure se poursuit en février 2015 avec, pour la première fois, une présentation dans le cadre du Sunday Screening dans des galeries du Marais, une autre initiative visant à promouvoir l’art vidéo. 

De la complicité entre Magda Danysz et Barbara Polla, qui toutes deux ont précédemment exploré les liens entre art et mode, est née l’exposition “Direction Artistique”. C’est donc en lien avec cette exposition et sur ce thème qu’aura lieu le VIDEOFOREVER du dimanche 8 février 2015, à la Galerie Magda Danysz. Avec une introduction de Paul Ardenne, “La mode, élaboration fractale de l’image du corps”.

Avec des vidéos de (liste à confirmer) Vanessa Beecroft, Nick Cave, Laurent Fiévet, Alicia Framis, Majida Khattari Ali Kazma, William Klein (Qui êtes-vous Polly Maggoo ?), Ursula Mayer, Thierry Mugler, Frank Perrin, Julika Rudelius, among others. 

videoforever.wordpress.com


Special thanks to Rebecca Russo, Art & Science Videoinsight Foundation, Turin.

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GALERIE METROPOLIS / ORI LEVIN Rewind your life. For my next trick I‘ll need to turn the clock back, some ketchup and my mother.

Galerie Métropolis, 16 Rue de Montmorency, 75003 Paris
Tel: +33 1 42 74 64 17
www.galeriemetropolis.com

Commissariat Laetitia Sellam
Ori Levin est née en 1982 Elle vit et travaille à Tel Aviv, Israël.

La galerie Metropolis a le plaisir de commencer l’année 2015 avec la première exposition personnelle en France de l’artiste israélienne Ori Levin.
Déjà en 2013, la galerie Metropolis présentait Ori levin à Loop Vidéo Art Fair de Barcelone avec « L’esprit de l’escalier » une suite de 5 sketches déjouant les apparences banales du quotidien. Tout un monde d’illusions et d’étincelles comiques dans les aventures d’un unique personnage, l’artiste mise en scène par elle-même.

Pour l’exposition « Rewind your life / For my next trick I‘ll need to turn the clock back some ketchup, and my mother » c’est la vraie mère d’Ori Levin qui entre en piste.
La comédie de l’humour noir est toujours omniprésente, se jouant du vertige de la mort et de l’inquiétante étrangeté d’une filiation / fusion / confusion.

La suite « Dress Rehearsal  # 13 /  Si je me suicide ma mère me tue » intègre  au travail vidéo de l’artiste, des photographies reliées au dispositif filmique de réalité augmentée Aurasma : la mise en coïncidence d’une tablette de lecture sur une photographie déclenche la vision d’un film en rewind.

13 sketches d’une implacable drôlerie pour prendre une distance salutaire avec la vie et la mort, les mères et les filles… la chance et la fatalité.
Les autres pièces «  Gravity» , «  Ne me quitte pas «  et « Continuity # 6 », films vidéo classiques fonctionnent sur les même scénario à rebondissements.

Avec l’extravagance poétique d’un Buster Keaton, Ori Levin fait le grand écart entre la mécanique burlesque du cinéma muet et les écritures technologiques révolutionnaires du XXI siècle. Elle arpente les régions subtiles de l’illusion, se jouant du vertige de la mort et de la fantaisie d’une filiation fusion.
Le rewind , les duos fragmentés et la réalité augmentée deviennent une manière radicale et singulière d’exprimer tout ce que recouvre le fait de filmer, de truquer ou de réparer la vie.

Laetitia Sellam & M. Guilhot -Voyant

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GALERIE LAURENT MUELLER / ELVIRE BONDUELLE, TÉLÉ ELVIRE

Une compilation de films d’Elvire Bonduelle réalisés entre 2003 et 2013 (durée : 20 minutes environ)

Galerie Laurent Mueller, 75 Rue des Archives, 75003 Paris
Tel: +33 1 42 74 04 25
galerielaurentmueller.com

La galerie Laurent Mueller présente « Télé Elvire », une compilation de films et de clips spécialement réalisée pour l’occasion, à découvrir sur une petite télévision, dans un cadre domestique imaginé par l’artiste.
Au moyen de dessins, d’objets et de mobiliers aux formes volontairement simples et dépouillées, Elvire Bonduelle imagine depuis quelques années des « installations praticables ». C’est notamment ces œuvres tridimensionnelles liées à la thématique du corps – corps dans le décor, corps et confort- que ces vidéos aussi thérapeutiques qu’humoristiques éclairent d’un nouvel angle en abordant des thèmes comme l’entrée dans l’âge adulte et l’esprit de sérieux.

Biographie : Née en 1981 à Paris, Elvire Bonduelle vit actuellement à Los Angeles où elle poursuit son projet de recherche « Maison Voiture Chien » portant sur l’architecture domestique et mené grâce au soutien du CNAP. Son travail qui peut s’affilier en partie à l’esthétique relationnelle a dernièrement attiré l’attention de Tom Eccles, Liam Gillick, Hans Ulrich Obrist, Philippe Parreno et Beatrix Ruf, commissaires de l’exposition « To the Moon via the Beach » à laquelle elle a participé (Arènes d’Arles, 2012). Elle a dernièrement participé à la Foire Untilted Miami Beach avec la galerie laurent mueller.

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GALERIE BERNARD JORDAN / Bertrand Gadenne « La fin de la bande vidéo »,1976.

Galerie Bernard Jordan, 77 Rue Charlot, 75003 Paris
Tel: +33 1 42 77 19 61
galeriebernardjordan.com

(monobande, noir et blanc, format 4/3, sonore, 4 mn)
Bertrand Gadenne a débuté son travail d’artiste dans les années soixante-dix par son engagement dans le domaine de la vidéo en 1975, puis du cinéma expérimental jusqu’en 1982. Il a développé ensuite un travail d’installations avec des projections de diapositive qui explorent les grandes catégories de la représentation du monde naturel. Depuis 1999, il retravaille avec le médium vidéo par la création d’installations vidéo qui sont mises en situation dans différents contextes architecturaux.
À partir de 1975, Bertrand Gadenne réalise plusieurs créations avec le médium vidéo dans le cadre de ses études à l’École nationale supérieure d’arts de Nancy et à l’initiative de son professeur Roland Baladi qui vient de faire acquérir du matériel vidéo Sony (Portapak et magnétoscope à bande ½ pouce) pour l’établissement. À l’époque en France, très peu de jeunes artistes utilisent ce médium et encore moins avec une approche expérimentale éloignée de la référence convenue du film documentaire ou cinématographique.

Depuis 1975 et pour « La fin de la bande-vidéo » réalisée en avril 1976, Bertrand Gadenne oriente son activité créatrice vers une attitude comportementale singulière avec le médium vidéo. Il décide d’être à l’écoute de celui-ci, de l’ausculter, de le palper, de le tester, de l’étudier à travers une suite de gestes performatifs emblématiques qui vont interférer sur les fonctions visuelles et sonores de l’appareillage vidéo. Et cette activité se fait à la limite de la résistance des composants mécaniques et technologiques du matériel afin de révéler un nouveau dialogue artistique entre la machine et l’Homme, tout en tenant compte de sa spécificité.

Ainsi la bande magnétique est ici détournée de sa trajectoire. Elle glisse autour du doigt de l’artiste et le micro et la caméra qui sont connectés au magnétoscope enregistrent simultanément la réaction visuelle et sonore de l’appareil. Cette bande-vidéo magnétique qui n’est pas encore conçue sous la forme d’une cassette vidéo, mais qui est enroulée sur une bobine débitrice va suivre ainsi un parcours horizontal de plusieurs mètres avant de s’enrouler sur la bobine réceptrice. Une forme d’interactivité pensée comme un dialogue se développent en recherchant une situation d’équilibre entre le performeur et le processus mécanique et technologique du magnétoscope. Il est ici question de maîtriser le phénomène de tension et de résistance des matériaux de l’appareil.

Cette performance met en jeu la fragilité de l’image visuelle et sonore, filmée et enregistrée simultanément. Cette image est solidaire du support de la bande magnétique, fil conducteur de toute l’action. Nous assistons à un combat presque animal qui va aboutir à la disparition inévitable de l’image et de la représentation de l’action. Il s’agit d’une part de tenir précieusement et du bout des doigts le support de l’image, mais aussi d’effectuer un geste iconoclaste et brutal sur la bande-vidéo.
L’appareillage vidéo semble se débattre et lutter pour ne pas subir le geste fatal. Puis après la coupure de la bande magnétique, le processus d’évanouissement et de disparition étant inéluctable, l’image vidéo s’évanouit progressivement dans une masse obscure et silencieuse.

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GALERIE OLIVIER ROBERT / RACHEL MACLEAN, A Whole New World, 2014 (28 min digital video)

Galerie Olivier Robert, 5 Rue des Haudriettes, 75003 Paris
Tel: +33 1 43 25 31 87
galerieolivierrobert.com

Commissionnée pour le prix Margaret Tait Award 2013 en collaboration avec le Festival du Cinéma de Glasgow, Creative Scotland et Lux.
Le film A Whole New World décrit les ruines fantastiques d’un empire déchu. Associant une histoire grandiose et une production bon marché, cette vidéo explore les thèmes relatifs à l’histoire de l’Empire britannique et à l’identité nationale. Filmé uniquement à l’aide d’un écran vert, le film nous plonge dans un environnement créé par l’ordinateur, submergé de statues tombées et de restes d’une autre époque. Racontée par la statue de la Déesse Britannia, l’histoire fait allusion à un grand nombre de contes existants comme St George et Le Dragon ou Tarzan. La vidéo change constamment de genre se transformant d’une comédie musicale festive à un débat politique sec, passant d’un drama calme à un conflit ardent. Maclean interprète tous les rôles dans le film, mimant elle-même la bande sonore en plusieurs langues. L’artiste change habilement de make-up et se déguise en costumes historiques inspirés du drapeau Union Jack prisé par les touristes.

Rachel Maclean biography :
Rachel Maclean est une artiste installée à Glasgow. Diplômée du Edinburgh College of Art en 2009, Rachel a déjà participé à plusieurs expositions à la fois au Royaume-Uni et à l’étranger, comme par exemple, l’exposition personnelle I HEART SCOTLAND, The Edinburgh Printmakers. En 2011, Rachel a effectué une résidence artistique de six mois au Banff Center, Alberta (Canada) avec l’aide du Creative Scotland. Récemment, elle a présenté son film de 40 minutes, Over The Rainbow, à Collective Gallery, Edinburgh et à la Fondation Zabludiwicz, à Londres. En 2013, elle a reçu le Margaret Tait Award, et a été nominée au Film London Jarman Award. En 2014, l’artiste a eu deux expositions personnelles au CCA de Glasgow et à la Comar Gallery à Mull.