Sunday’s Screening #14

                                 Dimanche 20 mars 2016 de 14h à 19h

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Galerie Solo
11 rue des Arquebusiers, 75003 Paris.
Tel : 01 42 77 05 44
www.solo-projects.com
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Sur une proposition de l’architecte Anne Holtrop, SOLO GALERIE présentera une discussion entre Gerhard Richter et Benjamin Buchloh. Avec le soutien des SERIF TV des frères Bouroullec.

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Galerie Magda Danysz
78 rue Amelot, 75011 Paris
Tel : 01 45 83 38 51

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Prune NOURRY
Vidéos retraçant les projets Holy Daughter, Holy River et Terracotta Daughters.

Artiste plasticienne aujourd’hui basée à New York, elle explore la bioéthique au travers de la sculpture, de la vidéo et de la photographie. Elle se concentre particulièrement sur la sélection de l’enfant par la science : comment les nouvelles techniques de procréation assistée nous mènent vers une évolution artificielle de l’humain.
L’artiste étaye son travail par de nombreuses recherches et entretiens auprès de scientifiques. À visée anthropologique, le travail de Prune Nourry s’inscrit dans une démarche participative. Ses sculptures font l’objet de performances où elle documente la réaction du public par des vidéos, exposées par la suite au travers d’installations.

Prune Noury est née en 1985; résidente aux États-Unis, et actuellement en résidence à l’Invisible Dog Art Center à Brooklyn.

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Galerie Metropolis
16 rue de Montmorency, 75003 Paris
Tel : 01 42 74 64 17
galeriemetropolis.com
Dans le cadre de l’exposition « Girls : En équilibre sur la pointe de l’instant »

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Ori LEVIN

Continuity – Gravity, 2015.
Vidéo muette, 3 min 30 s, en boucle.
Installation murale en 3 tableaux animés + objets réels.

Continuity – Ne me quitte pas, 2015.
Vidéo sonore, 1 min 30 s, en boucle.
Installation murale en 3 tableaux animés encadrés « vert Ori ».

Ori Levin créé des objets qui sont le support et l’œuvre. La vidéo perd son immatérialité pour s’incarner dans des tableaux animés. Se référant à l’extravagante magie du cinéma muet, Ori Levin fait le grand écart entre la mécanique burlesque de Buster Keaton et la technologie du XXIe siècle.

Ori Levin est née en 1982. Elle vit et travaille à Tel Aviv, Israel.

Ori Levin explique son travail magique dans Tracks Magazine TV du 23 mai 2015,
interview à suivre sur : http://tracks.arte.tv/fr/lillusion-doptique-bas-cout

En savoir plus sur : http://galeriemetropolis.com/artists/ori-levin/

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Yasmina  BENABDERRAHMANE

« La renardière », film super 8 et 16mm couleur numérisé, 14 min 29 s, 2016.
Courtesy de l’artiste / Production Le Fresnoy – Studio national des arts contemporains.

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Après plus de vingt-cinq ans d’union, « Gigi » a fuit à l’âge de quarante-cinq ans son mari d’origine algérienne. Ils ont tous deux dirigé des bars discothèque en Europe ainsi qu’un « Hôtel de passe » à Aachen. Ma grand-mère paternelle, que j’ai rencontré pour la première fois à vingt-trois ans, a toujours été une énigme pour moi. Originaire du Nord-Pas-de-Calais depuis plusieurs générations, elle vit aujourd’hui dans la banlieue Lilloise.
Gigi, la voix rauque et asthmatique, morcelée en souffle continu et en mots – ponctue des films tourné-monté en super 8 et en 16mm. La renardière dévoile des fragments d’images pour des fragments de vies.

L’image, le grain. La pellicule réagit comme la chair : ça souffre, ça vit, ça se travaille, ça se retravaille, ça s’en prend plein la gueule. Un corps torturé volontairement ou accidentellement. Un corps interdit et passionnel en devient pernicieux, presque blasphématoire. Cette dichotomie entre le corps pudique et le corps publique est source d’étonnement et de fascination. Un catalogue de vie que je dissèque comme un corps, morceau par morceau, une suite d’images en matière. Un catalogue de vie que j’énumère métaphoriquement, en liste descriptive, comme le ferait un enquêteur impliqué, subjectif et touché. (Y.B.)

Yasmina Benabderrahmane est née en 1983, vit et travaille au Pré-Saint-Gervais.

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Galerie Michèle Chomette
24 rue Beaubourg, 75003 Paris.
Tel : 01 42 78 05 62
OUVERT DE 14h à 20h

Paulette PHILLIPS
Crosstalk, 2004.
Film 35 mm transféré sur DVD, 7 min, couleur, son stéréo, en projection murale.
Bande magnétique digitale Beta + DVD signé, daté, titré et numéroté par l’artiste 2/5.

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Crosstalk est un terme qu’emploient des organismes pour entrer en communication quand ils sont en détresse. Tourné en film 35mm; la projection en boucle est un passage extrait du film que j’ai réalisé dans lequel une femme provoque une perturbation et arrête un tramway. Nous ne voyons pas la perturbation, dans cette installation nous restons cantonnés à l’espace intermédiaire – alors que nous faisons cercle et observons l’événement invisible, nous sommes piégés en train de contempler notre propre voyeurisme, le nôtre à l’image de celui des passants qui épient le trauma ou la perturbation.

Cette projection viendra parfaitement s’inscrire dans le propos de l’exposition en cours (4 février – 26 mars 2016) : A VOUS DE VOIR / TEST YOUR WAY OF SEEING, que nous aurions tendance à qualifier de première exposition interactive à la galerie. En effet ce sera aux visiteurs d’interpréter les œuvres énigmatiques, ambigües, peu évidentes, à plusieurs entrées de lecture, qui seront exposées, et de traduire ce qu’ils voient, ou croient voir, en complétant en toute liberté les listes mises à leur disposition, voire même en y ajoutant des titres, car ne figureront que les noms des artistes et les dates de réalisation : à leurs yeux, que représentent-elles, que signifient-elles ?

Photographies contemporaines 1980 – 2015 :

PASCAL AMOYEL – ARNAUD CLAASS – MARINA GADONNEIX – CHRISTIAN GALZIN
GUILLAUME LEMARCHAL – DIDIER MORIN – JÜRGEN NEFZGER – PAULINE RÜHL-SAUR
JACQUELINE SALMON – OTMAR THORMANN – YVES TREMORIN – RIWAN TROMEUR

Paulette Phillips : « Je m’intéresse particulièrement au paradoxe, au malaise, à l’humour et à la contradiction. J’aime m’adresser directement au spectateur et l’impliquer dans le processus de visualisation, je travaille avec l’installation, le cinéma, le son, la performance, l’électromagnétisme, la photographie numérique, la vidéo, la lumière et les mécanismes.
Mon travail questionne la soi-disant stabilité de structures telles que la « nature humaine », la connaissance et l’architecture, et comment celles-ci au fil du temps viennent à être contestées, à disparaitre ou bien à ce que la nature se les réapproprie. La psychanalyse propose un modèle pour appréhender le comportement comme une forme de résistance politique, un mécanisme de survie face aux traumatismes où les conventions sociales sont mises en échec par l’irrégularité et l’imprévisibilité. Mon intérêt pour la nature psychologique et sociale des phénomènes – pourquoi et comment se manifestent les choses – est guidé par la recherche d’histoires qui oscillent entre le romantique et le scientifique.

Le travail de Paulette Phillips joue sur la relation entre spectateur et sujet, en se concentrant sur la prise à témoin, le regard et la réflexion. On retrouve de façon constante dans son travail un intérêt sur la façon dont les données psychologiques participent du monde physique. Ces trente dernières années, elle a travaillé avec les arts visuels, le cinéma et le théâtre, pour se concentrer depuis quinze ans sur la sculpture et les installations filmiques, ainsi que présenté outre au Canada, principalement au Royaume Uni, en France et en Allemagne. Ses films ont été projetés entre autres au Berlin International Festival – Forum Expanded, à la Tate Modern, Londres, au Centre Pompidou, Paris, et au Festival Images Film, Toronto. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections publiques, dont celles de la National Gallery, Ottawa, des Oakville Galleries, Ontario, du Museum of Modern Art, New York, et du FRAC Haute-Normandie en France, ainsi que dans des collections privées et d’entreprises comme celles de Gluskin Sheff + Associates et de la BMO Bank of Montreal. Paulette enseigne les pratiques artistiques basées sur le temps et l’art contemporain au College d’Art et de Design, Université de l’Ontario (OCAD) et assure en intérim la Direction du Programme d’études supérieures des Masters interdisciplinaires en Art-Media et Design (IAMD).

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Paulette Phillips est née à Nova Scotia; Elle vit et travaille à Toronto et Londres MFA, sculpture York University. Professor, Film, Video and Installation Practices, OCAD University.

www.paulette-phillips.ca

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Temple
20 rue de la Corderie, 75003 Paris
www.templeparis.com

Katja STUKE
国庆节 Nationalfeiertag
One channel video HD
2016, 9 min 6 sec.

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Cette vidéo montre des photographies réalisées sur la place Tiananmen, le jour de la Fête Nationale Chinoise le 1er octobre ainsi que des photographies prises à Victory Park, en juin 2014 à Hong Kong pendant la commémoration des événements du 25e anniversaire du massacre de la place Tiannanmen.
Sont également inclus dans la vidéo des unes de journaux de 1989, de Chine et de Hong Kong, clignotant entre les images comme des souvenirs, ainsi que des enregistrements réalisés lors des manifestations étudiantes à Pékin en 1989 et du rassemblement de Hong Kong en 2014.

« Dans mon travail, il s’agit toujours de portraits, de visages des gens dans les rues. Ici, filmant la place Tiananmen pendant Guóqìng jié, le jour de la fête Nationale Chinoise en 2011, je me suis posée les questions : Que savent-ils exactement? Qu’est-ce qu’ils en pensent? Savent-ils ce qu’il s’est passé ou essayent-ils d’oublier ? Est-ce que le sens historique de la place Tiananmen a de l’importance pour eux? Je n’ai pas eu besoin de poser ces questions pendant que je filmais et photographiais à Hong Kong en juin 2014. Dans certains lieux en Chine ou Pékin, inchangés depuis le passé, on peut avoir la sensation d’être en 1965, ou même en 1921. La synchronicité de différents moments ou époques doit être prise en compte lorsque nous essayons de comprendre… ».
Katja Stuke, extrait de 国庆节 Nationalfeiertag, BöhmKobayashi/Fw:Books, 2015.

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Sobering Galerie
87 rue de Turenne, 75003 Paris
Tel : 09 66 82 04 43
www.soberinggalerie.com

Sobering Galerie est heureuse de présenter les œuvres de Triny Prada, Jos Näpflin et John Sanborn. La projection effectuée lors du Sunday’s Screening se découpera en trois volets.

Le premier volet sera dédié aux Matières à penser de Triny Prada. Dans ce travail, l’artiste dénonce les modes de consommation contemporains et les paradoxes qui en découlent. Que son travail mette en scène ses performances (Sculpture poulétique condamne les problèmes politiques de son pays d’origine, la Colombie The War_tching machine), les vidéos de Triny Prada constituent une « matière à méditer » incontournable.
Le second volet sera dédié aux œuvres vidéo de Jos Näpflin, qui présente sa vidéo Krete (Crest), 2014, qui a été projetée dans le cadre du Cinéphémère de la FIAC 2015. L’artiste détourne la toile de fond d’un horizon grandiose par l’introduction du scénario auditif du danger imminent, avec des éclairs lumineux qui n’évoquent pas un incident spécifique, mais toute une gamme de destructions à grande échelle ancrées dans notre mémoire, reproduites dans les médias, ou qui ont marqué de nombreuses personnes dans les zones de conflits. Sera également projetée sa vidéo Quiet (Blind Eyes), 2014, consacrée aux sculptures qui habitent le cimetière de Nice.
Le troisième et dernier volet sera constitué de la projection de deux vidéos de l’artiste multimédia John Sanborn. Par son travail vidéo, le public et les institutions ont découvert l’étendue des possibilités de la création vidéo (et du « numérique ») ainsi que la capacité de cet artiste à réaliser des images et des sons conceptuels, abstraits ou synthétiques.


Triny PRADA

Matière à consommer
El Curandero (4 min 26 s)
Délicatesse (2 min 33 s)

Matière à méditer
Sculpture poulétique (4 min 20 s)
The War_tching machine (4 min 57 s)

Matière à attiser
Un goût d’amande verte (2 min 36 s)
The end (4 min 18 s)

Triny Prada video

« Tout mon travail commence avec le fil que je développe dans tous les médias possibles. Je l’utilise dans ma peinture, ainsi que dans ce que j’appelle les dessins filaires qui sont en fait des portraits réalisés uniquement avec du fil. Je l’utilise aussi sur des radiographies que je repeins et mets dans des boîtes métalliques avec de la lumière et parfois du son. Je fais aussi des vidéos et des performances avec des volailles que je coupe et dont je couds les éléments ensemble. J’organise aussi des performances culinaires dans lesquelles le matériau principal est le fil. »
Triny Prada
(extrait de la conversation entre Triny Prada et Henri François de Bailleux, parue dans Libération).

Triny Prada est née en Colombie, vit et travaille à Paris.


Jos NÄPFLIN

Quiet (Blind Eyes), 2014 (4 min 49 s)
Krete (Crest), 2014 (10 min 30 s)

Jos Napflin video2

Les œuvres de Jos Näpflin sont construites comme une constellation d’éléments, qui sont autant de correspondances et d’échos à sa vie, à son expérience et à sa subjectivité. Il compare son œuvre à un « systemoid », c’est-à-dire un système qui n’est pas directement intelligible, mais dont les éléments constitutifs sont des indicateurs permettant une compréhension globale de l’œuvre, et ce, par la visualisation d’une pensée et non d’une méthode.

Jos Näpflin est né en Suisse, vit et travaille à Zürich.


John SANBORN
Deux vidéos de John Sanborn.

John Sanborn est né aux Etats-Unis, vit et travaille à Berkeley Californie.
John Sanborn est un artiste multimédia dont l’œuvre balaie les évolutions technologiques des années 1970 jusqu’aux hautes technologies numériques contemporaines. Son travail vidéo prend la forme de programmes télévisés, d’installations, de jeux, d’expériences sur Internet et de l’art brut vidéo.

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Galerie Vanessa Quang
7 rue des Filles du Calvaire, 75003 Paris.
Tel : 01 44 54 92 15
www.gvqgallery.com

deuxyeux

Martin LORDDeux yeux, dessin animé en couleur, muet.
Dimensions variables, 12 s, en boucle, 2011.

La chaise d’Houdini, vidéo couleur, muet.
Dimensions variables, 4 min 48 s, en boucle, 2013.

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Entre nature et culture, entre obscurité et lumière, entre l’homme et l’animal, entre BD et cinéma, entre noir et blanc, entre liens collectifs et sentiments personnels, Martin Lord dessine des cycles, des mouvements, des histoires qui n’en sont pas mais qui nous font tout à la fois rire et trembler, des scènes mystérieuses où l’anatomie humaine est faussée, parfois même absente.

Dans Deux yeux, deux yeux scrutent, mais sans comprendre ce qu’ils voient.
Dans La chaise de Houdini, seule, au milieu d’une pièce vide, se meut.

La recherche de l’à-peu-près : ce qui est tangible en regardant ces œuvres c‘est le faire manuel. On est en face d‘une construction, d‘un système, imaginaire à la trame énigmatique. L’engagement figuratif incarne cette narration qui trace la fine ligne entre une structure évidente et complexe. La démarche compose, ainsi, une œuvre s‘employant à inventer des assemblage inhérents aux sujets et aux formes. Que ce soit par le dessin, l’objet sculptural, l’animation ou l’installation, chaque élément est engagé dans un plus large processus inter-connectif.
Puisant des influences dans le cinéma, la bande dessinée, l’histoire de l’art, le design et l’architecture, ce travail s’apparente autant à un dépliage discontinu de faits et de situations, qu’à un récit opaque. Il est d’une volonté de créer une imagerie perplexe qui soumet un doute au sens de l’œuvre. Ce travail donne la forme et l’élan d’un récit, le reste est à combler par le spectateur : le sens de l’œuvre naîtra ainsi du travail collectif entre le regardé et le regardant.
On y voit la proposition d’un autre réel. La lecture de l’œuvre prends une nouvelle ampleur grâce à sa mise en espace. Traités indistinctement par la même ligne claire, le personnage, la structure, le souple, le solide, le vaporeux, l’onomatopée, le texte et le mouvement s’entrecroise sans contexte dans une apparente neutralité surprenante.

Martin Lord est né en 1974 à Montréal, Canada. Il vit et travaille à Paris, France.

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Galerie Bernard Jordan
77 rue Charlot, 75003 Paris
Tel : 01 42 77 19 61
www.galeriebernardjordan.com

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Istvan BALOGH
Current Status (Declaration), 2012, 17 min 45 s.
HD Vidéo, 1 Canal, couleur, son.
Un jeune homme, souffrant fortement du syndrome de Tourette, lit les 30 articles de la « Déclaration universelle des droits de l’homme ».
Current Status est une œuvre vidéo quasiment documentaire dont le thème est la perte de contrôle partielle de la langue dûe à un disfonctionnement neurologique appelé syndrome de Tourette. Cette vidéo propose une double lecture : d’une part, elle a une composante politique. La lecture hachée du texte de façon permanente entremêlée de jurons évoque l’application trop souvent non tenue de cette déclaration. Ainsi cette lecture de la déclaration est l’expression du Current Status de la déclaration des droits de l’homme.
D’autre part, ce travail s’inspire des « Arts incohérents », un mouvement artistique éphémère de la fin du XIXe siècle auquel participaient entre autres des personnes souffrant de disfonctionnements neurologiques et qui déclamaient des chansons et des textes d’une façon tout à fait désordonnées qui ouvraient de nouvelles interprétations.

Istvan Balogh est né en 1962 à Berne.
Depuis le début des années 1990, les photographies d’Istvan Balogh se présentent comme des tableaux aux compositions élaborées, faisant fréquemment référence à des sujets connus, comme ceux traités par l’histoire de l’art. Loin de la citation littérale, l’artiste construit ses images en ramenant ces icônes à un présent qui semble ne jamais s’écouler. En effet, il parvient à placer ses personnages dans des situations d’indétermination, hors du temps. Depuis 2012, il réalise des vidéos.

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Galerie Dix9
19 Rue des Filles du Calvaire, 75003 Paris.
Tel : 01 42 78 91 77
www.galeriedix9.com

Nemanja Nikolic_ Panic Book_ 2015_ encre et fusain sur papier_ 24 x 31 cm_courtesy Galerie Dix9 Helene Lacharmoise

Nemanja NIKOLIC
Panic Book, 2015
HD couleur son, 7 min.
Vidéo animation faite de plus de 2300 dessins.

L’animation est composée d’une série de dessins sur les pages de livres consacrés à la pensée politique et philosophique du socialisme yougoslave de Tito. Ces livres proviennent de la bibliothèque familiale ou de marchés aux puces. Les pages deviennent le cadre de la reconstruction de séquences cultes de films d’Alfred Hitchcock : scènes de panique, fuite, persécution, peur. Superposant le textuel et le visuel, l’artiste crée un nœud de l’action inattendu en mettant en relation deux modèles à première vue opposés.

Le travail de Nemanja Nikolic (né en 1987, Serbie) relève de l’histoire d’une génération dont l’enfance a été marquée par des évènements historiques tumultueux, la fin dramatique de la République fédérative socialiste de Yougoslavie et la formation de nouveaux états nationaux sur ses ruines. S’il ne s’attache ni à la période de guerre ni à celle de l’après guerre, le contexte des créations de l’artiste est lié à ces changements sociétaux, aussi bien politiques que socio-économiques.


Leila DANZIGER
What vanishes, what resists, 2011.
Vidéo couleur, son, 7 min.

Extrait video Leila Danziger_2011

La vidéo traduit un des thèmes de prédilection de l’artiste sur l’éphémère. Créée lors d’une résidence en Israël pendant le Printemps arabe, cette vidéo projette des feuilles de journaux locaux qui s’effacent les unes après les autres.
Leila Danzinger (née en 1962, Rio de Janeiro) aborde le temps en tant que matière plastique. A travers archives, registres, livres, journaux, l’artiste met en évidence la précarité des choses.

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Galerie Polaris
15 rue des Arquebusier, 75003 Paris.
Tel : +33 1 42 72 21 27
www.galeriepolaris.com

Cecile_and_Cecilie_Polaris

Cécile GRACE JANVIER et Cecilie DEBELL

Cécile and Cécilie, 2014, 16 min.
Vidéo couleur HD / Super 8 noir et blanc.

Image: Cécile Grace Janvier
Montage: Cécile Grace Janvier et Guillaume Diamant-Berger
Musique: Louisa Jones

New York
« Cet été 2013 on l’a passé à courir dans les rues de NY, entre le Bronx et Coney Island, à la recherche d’une chambre à louer. Instinctivement, on a commencé à filmer nos visites, les maisons, les chambres et les visages qui allaient avec. Petit à petit, un film s’est révélé à nous. Ce n’était pas le récit de deux filles cherchant une chambre, mais le récit de tous les visages croisés lors de nos visites; Ce n’était pas un lieu pour vivre que l’on cherchait, mais les histoires de ceux qui y habitait. Ces histoires, on les a attrapées dans les objets et les mots de ceux qui nous ouvraient leurs portes, mais aussi dans les visages des New Yorkais croisés en chemin, ces habitants qui ne quittent jamais leur ville. Ce film est une mosaïque de toutes les rencontres que l’on a faites, cet été 2013. »

Cécile Grace Janvier
Photographe et réalisatrice.

Cecilie Debell
Réalisatrice de films documentaires et journaliste.

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Galerie Escougnou-Cetraro
7 rue Saint-Claude, 75003 Paris.
Tel : 09 83 02 52 93
www.galerieseestudio.fr

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Rebecca DIGNE
Climats, 2014, 5 min 30 s.
Video HD, Couleur.

Lors d’un voyage au Japon Rebecca Digne a séjourné dans des maisons traditionnelles où les murs sont de fines cloisons mobiles, donnant sur une cour intérieure. Dans les pièces de ces habitations, on est aussi sensible au climat, à la température, à l’humidité que lorsqu’on se trouve à l’extérieur. L’artiste a été frappée par la porosité entre l’espace intime et l’espace extérieur.
Pour la réalisation du film Climats, Rebecca Digne a construit une maquette d’une pièce à l’échelle 1/33, dont le sol est recouvert de terre noire. Au centre, une table en métal sur laquelle est posé un corail. Ce décor traverse et témoigne de changements liés au climat : tout d’abord ce territoire est aride puis la pluie rentre dans l’image et l’eau prend le dessus sur les composants de cette maquette. Dans cette scénographie un système de pluie artificielle intègre l’eau dans l’espace intérieur.
À la fin du film, le dispositif scénographie est dévoilé, sauf le dispositif de pluie pour que l’eau reste un élément sur lequel l’Homme n’a pas de prise. Les éléments qui pourraient n’être qu’un décor sont en fait des personnages à part entière, qui figurent des dimensions de notre existence. La terre noire au sol incarne notre état primitif, originel. Le corail, matière organique, représente l’Homme. Le métal incarne la pensée, puisque c’est un élément fabriqué par l’homme. La pluie joue un rôle central dans cette œuvre par son action sur les différents éléments. Elle redéfinit le territoire filmé, mais aussi le film lui-même. Elle tombe dans cet espace, la table, le corail, la terre deviennent récipients de l’eau. Elle représente à la fois le monde extérieur et le collectif. La pluie vient par essence du dehors et c’est un phénomène auquel nous sommes tous soumis à égalité.

Les pièces de Rebecca Digne sont des installations de films, vidéos et photographies. L’image, à la fois sujet et médium, est exploitée comme un territoire où s’entremêlent des enjeux liés à la question de l’attente, du temps, de l’identité, du geste ou du rituel. Ses œuvres récentes doivent leur titre à un verbe d’action (Rassembler, Fouiller, Creuser, Cueillir ), sa pratique peut elle aussi se résumer à un simple verbe : filmer. Filmer comme geste, comme action et comme rapport au monde. Son travail de l’installation est aussi une partie essentielle de sa pratique, avec l’intention de positionner le regardeur pour qu’il soit actif et face à une expérience. Ses pièces sont courtes et projetées en boucle, de telle façon que nous ne sommes jamais ni à la fin ni au début, mais toujours au centre de la pensée. Rebecca Digne utilise le geste comme un élément de pensée, de transmission, de résistance et de transformation; elle utilise la couleur pour sa matérialité et ses capacités d’évocations.

Pour en savoir plus: www.escougnou-cetraro.fr

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Galerie Houg
22 rue Saint Claude, 75003 Paris.
Tel : 01 42 78 91 71
www.galeriehoug.com

FilmPorno_MossetFilmstill de Ghostrider

Dans le cadre de l’exposition: Le petit A de O
du 19 Mars au 23 Avril 2016.

Avec les artistes : Nicolas CHARDON, Ivan FAYARD, Amy GRANAT, Olivier MOSSET, Camila OLIVEIRA FAIRCLOUGH, Hugo PERNET et Emmanuel VAN DER MEULEN.

Le petit A de O, proposition de Marie de Brugerolle, commissaire invitée, réunit sept artistes et une vingtaine d’œuvres autour d’un tableau A d’Olivier Mosset. Pour la plupart inédites, les pièces de Nicolas Chardon, Ivan Fayard, Camila Oliveira Fairclough, Amy Granat, Hugo Pernet, Emmanuel Van der Meulen convoquent l’art non représentationnel, l’abstraction trouvée, le monochromaniaque, l’impertinence et la marge, mais avant tout la volonté manifeste de peindre et de voir de la peinture. C’est aussi la tension de la lisibilité et de la visibilité, de la toile et de l’écran qui sera en jeu ici. Tous les artistes de l’exposition ont un lien avec le A de O, avec l’œuvre d’Olivier Mosset. Directement ou indirectement, leurs travaux résonnent avec le sien, sans aucune volonté d’hommage ou désir de faire école, mais des échos surgissent entre les pièces. C’est à partir de ce petit tableau A «perdu», au sens où durant des années sa localisation n’était pas connue, et de sa trouvaille par le galeriste Olivier Houg, que l’idée d’une nouvelle rencontre s’est imposée. Celle de ce A perdu/trouvé et d’œuvres d’artistes qui, de près ou de loin, ont des choses en commun avec le travail d’Olivier Mosset. (….) »
Extrait de Le Petit A de O écrit par Marie de Brugerolle, 2016.

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Deux vidéos mises à l’honneur durant le Sunday’s Screening #14 :

Olivier MOSSET
Film porno, 1968
Super-8 transféré en vidéo, 3 min.
Courtoisie de l’artiste & de bdv (bureau des vidéos), Paris.

«Pour comprendre ce que ce Film porno est ou n’est pas — ni du cinéma, encore moins de la pornographie — il faudrait revenir sur ces années révolutionnaires où le geste d’écrire, de peindre ou de filmer n’était pas distinct d’une logique de vie, de création, de libération. Revenir à ce temps où les deux acteurs de ce film super 8 aussi court que muet, Pierre Clémenti et Caroline de Bendern, n’étaient pas encore tout à fait des icônes d’une révolution culturelle en marche mais simplement les deux enfants naturels de Marx et de Coca-Cola. Ce film n’a pas vraiment de statut, il ne rentre pas dans le corpus spécifique de l’œuvre picturale d’Olivier Mosset, il ne figure pas non plus dans la filmographie aujourd’hui historicisée du groupe Zanzibar (créé un soir de mai 1968), il se raccroche plus sûrement au processus de prise photographique de Mosset, production aléatoire émancipée du sujet et de la représentation. « Film porno » est juste une séquence extraite de l’histoire, un moment abstrait qui compose avec le réel, le hasard, le hors-champ du désir et qui garde sa seule dimension de film. Un film est un film ». SM


Amy GRANAT
Ghostrider, 2006
16 mm transféré en vidéo HD, N&B, muet, en boucle, 1 min 34 s.
Courtoisie de l’artiste.

Amy Granat produit des films sans faire de film, directement sur la pellicule, en la grattant, la «scratchant», en utilisant des solvants qui vont attaquer l’image, la surface enduite. Ancienne étudiante d’Aldofus Mekas, Amy Granat reçoit bien sûr l’influence du cinéma expérimental mais son travail relève de la peinture. Les lignes, zips, points, existent par la projection lumineuse. Que ce soit projetés au mur de manière à induire un rapport physique avec le spectateur, ou sur un écran plat, le film joue de l’idée d’une peinture en mouvement. Les effets digitaux ajoutés à « Ghostrider » ajoutent une marque ou un geste qui est une extension des actions sur la pellicule 16 mm.
Le titre, Ghostrider, évoque l’absence et la hantise, c’est aussi un clin d’œil avec le personnage de bande dessinée Ghostrider, un motard justicier, qui a vendu son âme à Mephistophélès. Mi fantôme, mi-homme, il est entre présence et disparition. Le déroulement de l’image qui semble dédoublé à partir d’un plis central, est similaire à certains effets de visière sur le casque de moto. Une forme de « test de Rorschach » en mouvement s’opère sur l’écran. »
Extrait du texte de Marie de Brugerolle, « Petit A de O », publié par la Galerie Houg à l’occasion de l’exposition.

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Galerie Maria Lund
48 rue de Turenne, 75003 Paris.
Tel : 01 42 76 00 33
www.marialund.com

Sketch 2016, arrêt sur image copie

Esben KLEMANN
Sketch, 2016, 8 min.
Dessin sur Ipad

Cette nouvelle vidéo s’inscrit dans la suite du programme artistique de son concepteur : une improvisation en principe sans fin. Le travail d’Esben Klemann fonctionne selon une logique par associations d’idées et de formes : Les traits et les structures ondulent, montent, descendent, enroulent, se densifient, glissent et se jettent dans le vide en s’effaçant pour aussitôt repartir. Tout est potentiellement en transformation dans un mouvement où l’imprévu constitue un élément important. Les «constructions» d’Esben Klemann sont des folies contemporaines, poétiques et drôles, des instantanés d’une liberté du tout possible.

Esben Klemann : « Je fais des choses qui ne peuvent en apparence être faites… parce que c’est TOUJOURS intéressant ! La somme de mes expériences balance des idées dans l’espace et me défie pour que je leur donne un corps physique » dixit Esben Klemann. Voici le programme de ce multi-artiste danois qui aborde tout média avec une approche ludique dans un défi permanent des matériaux selon le principe de l’incertitude systématique. L’exposition présentera des oeuvres qui évoluent autour d’architectures imaginaires en métamorphose : la vidéo Sketch 2016, un ensemble de dessins au stylo et du dessin en grès – une de ses matières de prédilection. Le travail d’Esben Klemann fonctionne selon une logique par associations d’idées et de formes : Les traits et les structures ondulent, montent, descendent, enroulent, se densifient, glissent et se jettent dans le vide en s’effaçant pour aussitôt repartir. Tout est potentiellement en transformation dans un mouvement où l’imprévu constitue un élément important. Ses interventions et sculptures dans l’espace réel se greffent, parasitent et s’inspirent de ce qui est donné pour l’emmener ailleurs… En cela Esben Klemann est bien de son époque où le désir de la maîtrise et de la poursuite d’une idée ont cédé la place à une quête de l’inconnu, voir une forme d’inclinaison devant les forces qui nous échappent. L’observation permet ensuite de mieux les saisir jusqu’à l’échappée suivante…

Esben Klemann (né en 1972) est passé par l’Académie royale des Beaux-Arts du Danemark, avant de multiplier les expositions à travers le pays, dans les institutions (Charlottenborg, Bornholms Kunstmuseum, Vejen Kunstmuseum, Danmarks Keramikmuseum), les galeries et l’espace public. Il a notamment été invité, en 2013, par la ville de Vejen, à installer 14 sculptures en béton dans l’espace public (projet EGNSBETON). La Galerie Maria Lund l’a exposé une première fois à l’été 2013 dans le cadre de Terres – Copenhagen Ceramics Invites (Nouvelle vague – Palais de Tokyo-CPGA). L’année suivante un ensemble de sculptures et une vidéo était sa contribution à Chaotiquement votre. Dernièrement la galerie a montré son travail à ART15 (Londres) et Le Parcours Carougeois (Suisse) a accueilli une sélection de ses sculptures pour son édition 2015. L’œuvre d’Esben Klemann fait partie de nombreuses collections de référence au Danemark dont celle du Fond national pour l’art; cette année il réalise trois commandes pour l’espace public.

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Gleichapel
15 rue Debelleyme, 75003 Paris
Tel : 06 25 39 01 03
www.gleichapel.org

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Shiva Lynn BURGOS
Half Life/Half Light: The Chemistry of Natural Forces, 2016.
Diaporama, 30 min, projecteur, dimensions variable.

A l’occasion du Sunday’s Screening #14, Gleichapel est heureuse de présenter Half Life/Half Light: The Chemistry of Natural Forces (« La Chimie de la Force Majeur”) de Shiva Lynn Burgos, un diaporama entièrement analogique de 80 images choisies parmi les archives de diapositives 35 mm de l’artiste. Ces diapositives ont été modifiées, altérées et chimiquement transformés par Superstorm Sandy qui a inondé New York City à la fin Octobre 2012. Au-delà d’un diaporama ordinaire, ces œuvres, comme Burgos déclare « sont inspirés par les concepts de la métamorphose, la mutation et la dégénérescence comme un précurseur naturel de l’évolution. » La projection révèle les nuances de cette philosophie à travers la combinaison de ces modifications imprévues, la lumière projetée et l’image originale elle-même.

« Les images originales varient entre la photographie expérimental, des paysages et le reportage. À l’été 2013, lors d’une résidence artistique aux États-Unis, j’ai été en mesure de traiter les diapositives humides et moisies et d’envisager la perte de leur première histoire, mon histoire et comprendre cette transcendance. Laissez-nous surpassent la nostalgie rétrograde du moment décisif.  Les séquelles nouvelles crées sur la photo sont plus libres. Elles agissent davantage comme les vestiges d’une performance ».

L’artiste poursuit : « Les processus scientifiques dans ce cas, causés principalement par l’eau de mer, provoquent une réaction chimique qui manipule la surface du film. Les couches d’émulsion liquéfiés se redistribuent de manière ordonnée en créant des motifs cristallins et des matériaux incorporés. La résultante déformation du celluloïd déplacé l’accent à la troisième dimension de l’image lors de la projection de lumière. Cette dimension n’est pas statique. Nous pouvons faire un voyage dans l’image en changeant progressivement le plan focal. 3D + temps et nous sommes maintenant dans la 4e dimension. Si l’on considère alors ce que sont les couches de temps2 + processus2 + lumière 2 + observation =… Cela soulève une question vraiment exaltante. »

Shiva Lynn Burgos (née en 1972, New York) est une artiste multidisciplinaire vivant et travaillant entre Londres et Paris. Elle a largement exposé dans le monde entier et a été incluse dans les projets au Louvre, au National Arts Theatre de Londres, à la Biennale de Moscou, au Lothringer 13, Städtische Kunsthalle München et à la Hayward Gallery de Londres. Elle travaille actuellement sur “The Mariwai Project”, un important échange entre les cultures en transition de Papouasie-Nouvelle-Guinée avec la monde extérieur. “Half Life/Half Light: La Chimie de la Force Majeur” est la première projet solo de Mme Burgos en France.

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Art Ligue
9 rue des Arquebusiers, 75003 Paris.
Tel : 01 57 40 60 54
www.artligue.fr

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Hamid MAGHRAOUI
Béton Liquide, 2015
40 min (la vidéo est longue mais on peut arriver n’importe quand dedans…)

Une proposition des Garçons Sauvages et de la Galerie Art Ligue.

Qu’il traite des dispositifs d’habitation dans les zones déclassées, des dispositifs médiatiques issus du monde télévisuel, des dispositifs technologiques de stockage des données ou de transmission de l’information, le travail d’Hamid Magrahoui teste la capacité du sujet à s’inscrire de manière libre dans des dispositifs imposés.
Avec cette nouvelle vidéo — Béton Liquide, 2015 — il quitte le champ des nouvelles technologies et déplace l’oeuvre de déconstruction qui y était attachée vers le champ de la construction même de nos environnement urbains. Cette nouvelle double projection embarque le regard du spectateur à la manière d’une Spiral Jetty mobile sur la route d’un camion Malaxeur qui quitte l’espace public urbain pour l’espace rural, à la conquête de nouveaux territoires constructibles. Le regard y est piégé, hypnotisé par ce mouvement infini, symbole de la création future d’un environnement normé, véritable programme de façonnage des conduites, gestes, attitudes d’un individu peu enclin à toute possibilité de subjectivation.

Hamid Maghraoui est né en 1973 à Nîmes.
Diplômé des Beaux-Arts de Nîmes, il professeur à l’École des Beaux-Arts d’Avignon.

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Galerie Duboys
6 rue des Coutures Saint-Gervais, 75003 Paris.
Tel : 01 1 42 74 85 05
www.galerieduboys.com

Maraudeur_Affiche02-1942 copyA tire d'ailes_flyerA4(w96)-2

BENLOŸ
Maraudeur, 2015, 12 min.
A tire d’ailes, 2015, 17 min

2 séances : une projection à 16h et une seconde à 17h, chacune suivie d’un débat avec l’artiste.

IMPORTANT: Il n’y a pas de projection en boucle.

Maraudeur
Rencontre avortée trop tôt dans son enfance avec son grand-père, cet homme secret, cet homme qui portait une tristesse insondable pour un cœur d’enfant, cet homme qui lui a offert son premier appareil photo noir et blanc… « Maraudeur » raconte avec ses yeux d’enfant sa disparition, le manque qu’elle a créé en elle et la découverte de sa passion pour la photographie qui ne l’a plus quittée.

A tire d’ailes
L’actualité dramatique de la situation des migrants a bouleversé Benloÿ et elle s’est plongée dans l’histoire de cet enfant qui raconte sa propre mort après nous avoir ouvert son rêve de vie. « A tire d’Ailes » est une histoire de mirage d’enfant, d’envol et de chute…

BENLOŸ
Photographe, réalisatrice et actrice, vit et travaille en France.
Personnage tout en discrétion, Benloÿ regarde, puis aborde précisément les sujets, efficace et silencieuse. Actrice, elle entre dans le sujet sans s’imposer et sait transformer l’image en un dialogue. Benloÿ a un rapport intime avec ses photos et ses préoccupations sont proches de celle du peintre, il lui faut comprendre le sujet puis elle y ajoute le faire et le plaisir de la matière en développant ses travaux. Benloÿ s’arrête sur des événements et des instants pour en offrir des images qui nous envoûtent lentement, réalisent nos rêves.

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